NONSTANDARD STUDIO      
2024



SITE IS UNDER CONSTRUCTION NOW
UPDATED SOON  



WE ARE KIND AND WORKING HARD.
NONSTANDARD is an international exhibition making studio. nonstandard was founded in 2015 by project director Dr. Catherine S. Lee who leads the studio providing a comprehensive museum exhibition services. We create immersive environments for diverse art institutions and regularly collaborate with creative specialists.

read more



Email contact only_
nonstandard.kr@gmail.com
Instagram @nonstandard_studio



Dr. CATHERINE SEYOUNG LEE
이세영_서울대학교 디자인학박사


is an exhibition maker and a post-doctoral researcher based in Seoul, Korea. She holds a BA(Bachelor of Architecture) from Hongik University, and a MIA(Master of Interior Architecture) from Rhode Island School of Design in US. After completing doctoral program in design at Seoul National University(Doctor of Design), she moved to New York and worked with Sarah Meister(Curator, Department of Photography) in MoMA(Museum of Modern Art in NY). She has come a long way since participating the 6th Gwangju Biennale International Curator Course along with Maria Lind, the artistic director of 11th Gwangju Biennale.  Lee was a curator at Daelim Museum and currently works with Seoul Museum of Art and Leeum, Samsumg Museum of Art as a director of nonstandard studio.




PROFESSIONAL CAREER / CLIENTS

Fondation Cartier pour l’Art Contemporain in Paris
MoMA Museum of Modern Art in NY
Leeum, Samsung Museum of Art
Daelim Museum
Seoul Museum of Art
Busan Museum of Art
Seoul Museum of Craft Art
Gyeonggi Children's Museum
Jeonnam Museum of Art
Korea Arts Creative Academy
Arko Art Museum, Art Council Korea
Korea Arts Management Services
Seoul Arts Center
KT&G Sang Sang Madang
meetingroom
Project Space Sarubia
The Cheong-ju Art Studio
COS Project Space
SPACE Magazine
Korea Land and Housing Corporation
Monthly Public Art Magazine
Haru.soon
Seoul Botanic Park




TEACHING CAREER
INHA University, Incheon
Seoul National Univeristy of Technology, Seoul
Chung-ang University, Seoul
Dongduk Women's University, Seoul
Mokwon University, Daegeon
Rhode Island School of Design, Providence, RI




LICENSED CURATOR
Ministry of Culture, Sports and Tourism
LICENSED PHOTOGRAPHER
Human Resources Development Service of Korea
LICENSED COLORIST
Human Resources Development Service of Korea

Member of  International Council of Museums ICOM
Member of  Architectural Institute of Korea
Member of  Korean Society of Design Science
Member of  Institute of Interior Design
Member of  Korea Society of Basic Design & Art


2024 MMCA LEE KUN-HEE COLLECTION: PICASSO CERAMICS

국립현대미술관 이건희 컬렉션_피카소 도예

EXD 2024/07-16


Client_National Asia Culture Center
Venue_Complex Exhibitino Hall 4/
National Asia Culture Center
38 Munhwajeondang-ro, Dong-gu, Gwangju
Date_2024. 07. 16 - 09. 29
Curator_Aekyung Lee
Assistant Curator_Yujin Ko





Harmony of the vast volume of space and small ceramic works

The 2024 MMCA Lee Kun-hee Collection: Picasso Ceramics, prepared jointly by the National Asian Culture Center and the National Museum of Modern and Contemporary Art Korea(MMCA), unveils 107 pieces of Picasso ceramics from the Lee Kun-hee Collection, which was donated to the MMCA in 2021. This exhibition shows around 100 pieces of Picasso’s ceramics from the National Museum of Modern and Contemporary Art’s collection. The National Asia Culture Center’s Complex Exhibition Hall 4 is a large space measuring 30 meters wide, 50 meters long, and 6 meters high without a single pillar, a scale that is hard to find in other art institutions in Korea. On the other hand, Picasso’s works consist of relatively small plates and vases measuring between 10 and 60 cm in size, so the most important task of the exhibition design was to effectively display incomparably small works in a large space.





Spatial coordination of visual elements considering the context of the work

In particular, the 6-meter-high exhibition space actually makes the space created by the 3-4m height of the wall of the art exhibition that is usually installed very awkwardly, and it is the biggest factor that hinders the completeness of the exhibition. The most important strategy of this exhibition design is to place a large 12m x 10m Barisol Pedestal in the center of the exhibition space and raise the height to 5m to naturally segment and reduce the volume of the entire space. In addition, in order to highlight the works with small but delicate drawings, an additional Barisol ceiling finished with soft light was lowered instead of the existing concrete ceiling, allowing the works to stand out and dominate the atmosphere of the entire exhibition hall. The inner wall of the Barisol was intended to be recessed by more than 2.5m so that the entire large volume can be open without being stuffy in the viewer's view, and it is the only wall in the exhibition hall that has added color so that it can draw the eyes to the center from anywhere in the exhibition hall.

From the entrance, the individual pedestals organized by section are all arranged symmetrically within a grid that does not disrupt the proportion of the entire space, providing consistency to the movement line and creating tension in the space. According to the space design, I suggested additionally placing Picasso’s lettering, which was not used in the previous exhibition at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Cheongju, in the center of theBarisol pedestal. The overall arrangement of the exhibited works followed the order of the existing list of works, but while preparing for this exhibition, I visited the ceramics section of the Picasso Museum in Paris, and intentionally placed the work “Large Bird and Black Face,” which was the greatest inspiration at the time, in the center. In addition, instead of using a partial image of a vase decorated with an owl and a face, which is an image related to it, I utilized the entire image to make the work stand out and allow for comparison. Personally, I really like the vase in the image, but since it was not included in the exhibition collection, I wanted to display it as a more complete image so that the audience could appreciate its beauty.



Layout considering free movement of visitors

Since it is an exhibition open to everyone, not a paid exhibition, and we did not want to force a specific route or interrupt the viewing time, we made it easy to move through the free route of the open space, and we did not spatially separate the video section, which is the last section of the exhibition. The Picasso Museum in Paris also exhibits Picasso’s videos in various sizes along with the works, because the videos are all directly related to the works and show the narrative that runs through the exhibition along with the flow of time. At any time, the audience can view the exhibition by comparing them without distinguishing the medium, and gain an integrated exhibition experience.

In order to protect the works, we carefully considered the size and arrangement of the individual glass case pedestals that were designed to have over 50 pieces. We wanted to reduce the number as much as possible and remove elements that interfere with the viewing of the works, but we hope that the variations in the height and lowness of the space and the spacing created by the individual volumes of the pedestals served as auxiliary means to prevent the works from being overwhelmed by the entire space.






컨텐츠에 대한 심도깊은 이해를 바탕으로 하는 디자인

국립아시아문화전당에서 개최된 2024 이건희 컬렉션: 피카소 도예 전은 국립현대미술관 소장품 컬렉션인 피카소의 도예 107점을 전시한 자리다. 국립아시아문화전당 복합전시관 4관은 기둥하나 없는 30미터 폭, 50미터 길이, 6미터 높이의 대공간으로 국내 여타 예술기관에서 찾아보기 힘든 규모다. 반면, 피카소의 작품들은 10cm에서 60cm 정도 사이즈의 비교적 작은 접시와 화병 등으로 구성되었기 때문에, 대규모 공간 안에서 비교되지 않을 만큼 작은 작품들을 효과적으로 전시하는 것이 중요한 전시 디자인의 과제로 파악되었다. 언제나 그렇지만 무엇보다 가장 선행되어야 하는 것은 컨텐츠에 대한 올바르고 정확한 이해와 연구다. 디자인 중심의 기획보다는 컨텐츠 중심의 디자인 기획이 필요하다. 피카소 도예를 진행하는 동안 세계 각지에서 전개된 피카소 전시들을 깊이있게 리서치했으며, 관련 도예 및 조각 작품들과 관련된 전문적인 지식과 경험을 전시에 적용했다. 어떤 디자인이 가장 피카소의 작업에 접근하고 소개하기에 적절한가에 대해 누구보다 많이 고민했다. 때마침 파리 출장이 있어 다시 한번 피카소미술관에 방문하여 동일한 작품들의 컨디션과 디스플레이 방식, 다른 작품들과의 조화등을 분석하였다. 







공간의 거대한 볼륨과 소규모 도예 작품의 조화

특히 6미터 높이의 전시 공간은 사실 일반적으로 설치되는 미술 전시의 가벽 높이인 3-4m는 관람객으로 하여금 비어있는 상부의 빈 공간을 매우 애매하게 느껴지게 만든다. 이는 결과적으로 항상 전시의 완성도를 방해하는 가장 큰 요소로 반복적으로 작동해 왔다는 점에 가장 주목하였다. 전시 공간 중앙에 12m x 10m 의 대형 바리솔을 위치시키고 높이를 5미터까지 끌어올려 전체 공간의 볼륨을 자연스럽게 분절시키고 축소하는 것이 본 전시 디자인의 가장 중요한 전략이다. 또한, 작지만 섬세하게 드로잉이 입혀진 작품들을 돋보이게 하기 위해 기존의 콘크리트 천장이 아닌 부드러운 빛으로 마감되는 추가적인 바리솔 천장을 아래쪽으로 내려 배치함으로써 작품을 돋보이게하고 전시장 전체의 분위기를 주도할 수 있도록 하였다. 바리솔 내부 벽체는 2.5미터 이상 들여넣음으로써 전체적인 거대한 볼륨이 관람객의 시야에서 답답하지 않게 오픈될 수 있도록 의도하였으며, 전시장에서 유일하게 벽면에 색채를 덧붙여 전시장 어디에서든지 중심으로 시선을 이끌수 있도록 하였다. 







작품의 컨텍스트를 고려한 시각요소의 공간적 조율

입구에서부터 섹션별로 구성된 개별 좌대들은 모두 공간 전체의 비례를 흐트리지 않는 그리드 안에서 대칭으로 배치되어 동선에 일관성을 부여하고 공간에 긴장감을 조성한다. 공간 디자인에 따라 직전 전시였던 국립현대미술관 청주관에서는 사용되지 않았던 피카소의 레터링을 바리솔 좌대 중심에 추가로 배치하는 것을 제안하였다. 전체적인 전시 작품의 배치는 기존 작품 리스트의 순서에 따랐지만, 이 전시를 준비하면서 파리 피카소 미술관의 도예섹션에 방문했는데, 당시 가장 큰 영감을 주었던 ‘큰 새와 검은 얼굴' 작품을 의도적으로 중앙에 배치하였다. 그리고 그와 연계되는 이미지인 부엉이와 얼굴로 장식된 꽃병 이미지를 부분 사용하는 대신 전체를 모두 활용하여 작품을 돋보이게 함과 동시에 비교하여 감상할 수 있도록 하였다. 개인적으로는 이미지의 꽃병을 매우 좋아하는데 전시 컬렉션에는 포함되지 않았기 때문에 더욱 완전한 이미지로 전시하여 관람객이 그 아름다움을 감상할 수 있도록 하고 싶었다. 







관람객 자유 동선을 고려한 배치

유료전시가 아닌, 모두에게 열린 전시로 특정 동선을 강요하거나 감상의 시간을 방해하고 싶지 않았기 때문에 열린 공간의 자유 동선으로 이동이 편리하게 하였으며, 전시의 가장 마지막인 영상 섹션도 공간적으로 단절시키지 않았다. 파리의 피카소 뮤지엄도 피카소의 영상을 다양한 크기로 작품들과 함께 전시하고 있는데, 이는 그 영상들이 모두 작품들과 직접적인 관련을 맺고 있으며 전시를 관통하는 서사를 시간의 흐름과 함께 보여주기 때문이다. 언제든지 관람객은 매체를 구분하지 않고 이들을 견주며 전시를 감상하게 되며 통합적인 전시 경험을 얻게 된다. 

작품의 보호를 위해 50점이 넘는 개별 유리케이스 좌대를 디자인하면서 그 사이즈와 배치를 세심하게 고민했다. 되도록 수를 줄이고 작품감상을 방해하는 요소를 제거하고 싶었지만, 좌대의 개별 볼륨들이 모여 만들어내는 공간의 높고 낮음과 간격의 베리에이션 등이 작품이 전체 공간에 압도당하지 않도록 돕는 보조적인 수단으로 작용했기를 바란다. 











INDEX  NEXT